Sylvain Dodier

Quelle joie de vous retrouver en ce début d’été!  Dans cette deuxième édition d’ACTION CULTURELLE, nous vous proposons de découvrir les oeuvres de créatrices qui, comme Luc et moi, savourent et honorent la vie dans ses moindres parcelles. 

Brigitte Dahan et Mélanie Lefebvre partagent une recherche artistique plongeant dans l’essence même de la vie, de l’infiniment petit au fabuleusement débordant. L’envie du beau et du vrai. Avec ses sculptures-tableaux en céramique, Dahan s’inspire, pour Sous la surface, du microscopique et nous donne à voir le gigantesque monde invisible à nos yeux. Celui qui cohabite, au fil du temps, à nos côtés et en nous.  Lefebvre, quant à elle, plonge, avec Heureusement qu’il y a la vie, au creux de l’âme vibrante. Là où l’émotion brute et vraie se fait mouvement et couleur, nous offrant une émouvante série de paysages peints avec le coeur. 

Je vous propose aussi un plongeon dans l’univers de Christiane Duchesne, une écrivaine qui me fascine depuis notre toute première rencontre. Ce qui ne date pas d’hier!  Tant la femme, que son oeuvre, sont à mes yeux la quintessence de l’espoir suave, peu importe les douleurs emmagasinées au fil de pertes, des peurs et des souffrances d’une vie. L’espoir est pétillant.

La médiation culturelle est à la fois un geste créatif et politique: celui du partage. Oser les échanges qui font tomber les barrières et nourrissent les coeurs et les esprits. Favoriser la rencontre entre gens de bonne volonté. Placer le beau et l’espoir au centre de nos vies. Croire et agir pour que l’art contribue à un monde meilleur.

Brigitte Dahan, Mélanie Lefebvre et Christiane Duchesne ont en commun l’humilité des grandes dames. Partager avec vous notre admiration pour ces audacieuses créatrices est une grande joie. En espérant que vous prendrez autant de plaisir à découvrir cette deuxième édition d’ACTION CULTURELLE, que nous en avons eu à la préparer pour vous. 

Luc Pallegoix

Depuis que j’expose en tant qu’artiste, et bien avant ça comme amateur d’art, je fais souvent le constat que l’œuvre d’art mise en public doit s’adapter à de nombreuses contraintes qui peuvent être l’architecture préexistante, la conformation des salles d’exposition, ainsi que leurs l’éclairages, leurs horaires d’ouverture ou leurs polyvalence, mais encore les besoins de conservation ou de sécurité des artefacts. Les oeuvres d’art se plient à des cadres pensés pour l’institution ou l’architecture, assez souvent conçu pour un autre usage (couloir, hall, restaurant, salle d’attente, etc.) ou réhabilité (sièges sociaux « à la grecque », manufactures, granges, etc…) créant alors une tension patrimoniale parfois enrichissante mais d’autres fois sclérosante ou délétère pour l’une ou l’autres des parties. Ces réflexions sont des éléments parmi ceux qui m’ont conduit à créer les galeries 3D de l’Atelier Auckland pour ACTION CULTURELLE. Ainsi, je fusionne la vision de l’artiste qui a du vécu, avec celle de l’architecte, du commissaire d’exposition, du médiateur d’art.

Dans ce rôle à facettes multiples, je savoure une liberté de concevoir une architecture à partir de la nature même des œuvres, de leur proportions, de leurs vibrations chromatiques. Le codage numérique minimise les compromis esthétiques. L’architecture nait de l’oeuvre d’art, façonnée et ajustée comme une robe de haute couture ou un écrin de joaillerie.

Les technologies numériques offrent cela, lorsqu’elles sont abordées comme des médiums plastiques à part entière. Ce ne sont pas des substituts à l’espace réel, mais des terrains d’expérimentation où la scénographie devient un acte artistique en soi. 

C’est un privilège rare, comme artiste autant que comme commissaire, de pouvoir littéralement péter les murs. Détruire ce qui empêche, ce qui impose, puis tout reconstruire, et bâtir des environnements qui ne demandent rien aux œuvres, sinon d’être elles-mêmes. Et les rendre accessibles 24 heures sur 24, sans rendez-vous, sans seuil, sans limite.

Ce deuxième numéro d’ACTION CULTURELLE prolonge cette volonté : penser des formes qui servent l’art et les idées, des cadres sophistiqués et souples à la fois, des gestes attentifs. Une action culturelle qui déplace, qui décentre, qui n’hésite pas, sans perdre courage à remettre vingt fois sur le métier l’ouvrage pour en faire un écrin à l’oeuvre d’art.

Christiane Duchesne est « un monument national », si charmant! Je blague à peine. Sa carrière a de quoi vous décoiffer en une seule phrase biographique. Elle a publié une centaine d’ouvrages offerts au public en de multiples langues, a traduit 700 albums et a été trois fois lauréate du prix du Gouverneur général du Canada, du prix Christie et du prix Alvine-Bélisle. Je pourrais continuer ainsi encore longtemps. Mais, à mes yeux, cette longue énumération de faits ne saurait rendre justice à cette grande dame des lettres dont l’humilité et la bienveillance n’ont d’égal que l’ampleur de son talent.

En 50 ans de carrière, Duchesne a orchestré un corpus littéraire fascinant, oscillant entre réel et imaginaire, cet espace ténu que nous fréquentons toutes et tous au fil des jours, l’espoir rivé au corps et au coeur. Une ode au fabuleux, au merveilleux qui s’offre à nous. L’écriture de Duchesne est à l’espérance ce que la musique de Beethoven est à la passion.

L’espérance dans l’écriture de Christiane est portée par une foi intarissable en l’humain. Un engagement marqué pour la tendresse et l’émerveillement. Christiane a cette capacité «Beethovienne», si j’ose dire, de jouer avec les intensités émotionnelles pour nous accrocher mot après mot, de ligne en chapitre. On dévore ses livres comme on écoute la 9e Symphonie du grand compositeur, d’un seul jet, en savourant goulûment son Ode à la joie!  

Crédit photographie : Christophe Daudelin

La fabuleuse histoire de Ferréol ( que tout le monde appelait Beth ) 

Le tout dernier roman de Christiane Duchesne, publié dans la collection Gulliver chez Québec Amérique, ne fait pas exception à cette règle de l’excellence, du vibrant et de l’espérance. Destiné à un public à partir de 9 ans, il fascine par son audacieuse intrigue que les plus vieux d’entre-nous ne sauront dédaigner. Librement inspiré d’un fait historique, que je ne vous révélerai pas pour conserver le suspens intact, ce roman nous transporte au début des années 60, sur le bord du majestueux fleuve St-Laurent, dans une petite école de campagne. Olive, l’institutrice, y veille avec affection et intelligence sur «sa grande petite marmaille» qui piaille à qui mieux-mieux dans cet unique classe inter-âge. 

L’arrivée d’un nouvel élève, en plein mois de janvier, Férréol – que tout le monde surnommera rapidement Beth, en raison des sonates de Beethoven qu’il rêvait de jouer-  avec son passé à l’allure invraisemblable, vient bouleverser l’équilibre bien rodé de ce petit coin du monde. Au fil des semaines, il se liera tout doucement d’amitié avec William et Mini. Et avec nous, lectrices et lecteurs. Mais qui est-il vraiment? Chaque fois qu’on pense avoir compris la part d’ombre de ce jeune homme de 14 ans, un bout de sa réalité nous échappe. Et si elle dépassait la fiction?

Dès la première ligne de cette histoire, on apprend que Beth a disparu abruptement, cinq mois après son arrivée impromptue. Reparti comme venu? Christiane Duchesne a ficelé une intrigue captivante et émouvante. Une enfilade de découvertes qu’on décortique une à une, avec William et Mini. Un fil narratif qui nous plonge au coeur de cette amitié qui se construit, qui nous confronte à la part d’imaginaire portée par le récit de toute vie. Comme le dit si bien l’éditeur, une oeuvre où «…la fiction devient parfois la seule clé pour ouvrir les portes de l’espoir».

On sort de cette oeuvre passionnante, comportant ses zones de profonde obscurité, avec la lumière vrillée au coeur. Un roman finement composé, qui fait appel à nos émotions et à notre intelligence. Faites travailler vos méninges tant que vous le voudrez, vous ne devinerez jamais – à moins de tricher – comment se terminera cette fabuleuse histoire de Ferréol, que tout le monde appelait Beth! 

Cliquez ici pour vous procurez le livre 

Avec ses fruits géants sculptés dans des pierres semi-précieuses, l’artiste américaine Kathleen Ryan transforme la moisissure en ornement démesuré. Entre critique de la consommation et allégorie baroque, son travail fascine par l’ambiguïté entre le luxe de son médium et la déchéance de son sujet, en plaçant le curseur entre la sensualité et le dégoût.

Chez Kathleen Ryan, tout est pourri et splendide. Elle sculpte par assemblage de perles et de pierres fines, de formes et de tailles variées, des grappes de raisins, des citrons ou des pêches trop mûres à l’échelle monumentale. L’artiste américaine s’inscrit dans une tradition de la nature morte revisitée, où la décomposition devient un terrain de jeu esthétique. Pour rendre la pourriture, elle utilise les particularités des pierres fines comme l’opalescence du quartz, le vert profond de la malachite ou les scintillements des agates taillées qui viennent dessiner les zones de moisissure avec une sensualité troublante.

Ces œuvres en trompe l’oeil, brouillent la frontière entre répulsion et fascination. En détournant des matériaux nobles pour figurer l’abject, Kathleen Ryan renverse les hiérarchies établies : le précieux devient sale, l’ordure devient joyau. Le geste artistique posé est à la fois ironique et critique. Il interroge la culture de l’apparence, la consommation compulsive, mais aussi les canons esthétiques hérités d’une longue histoire de la sculpture.

Voir cette publication sur Instagram

Une publication partagée par Kathleen Ryan (@katieryankatieryan)

La découverte de processus créatifs 

L’atelier est l’endroit où l’art prend vie. C’est un lieu de réflexion, d’expérimentation, de création, de vie artistique. En visitant un atelier, vous avez l’occasion unique de comprendre le processus créatif de l’artiste, de voir comment une idée abstraite se transforme en une œuvre d’art concrète. Cette immersion permet de saisir les techniques, les matériaux et les inspirations derrière chaque pièce, offrant une nouvelle perspective sur l’art.

La rencontre avec l’artiste 

Rencontrer l’artiste en personne ajoute une dimension humaine et intime à l’expérience artistique. Vous pouvez poser des questions, discuter de ses inspirations, et comprendre son parcours et ses défis. Ces échanges personnels enrichissent votre compréhension de l’œuvre et créent un lien plus profond avec l’artiste et son travail.

Le soutien à la création artistique

En visitant un atelier, vous soutenez directement les artistes. Ce soutien est crucial pour leur permettre de continuer à créer et à innover. De plus, l’achat d’œuvres directement auprès de l’artiste garantit que la majorité des revenus reviennent à celui qui a créé l’œuvre.

Une expérience immersive

Un atelier d’artiste est souvent un lieu vibrant et dynamique, rempli d’œuvres en cours de réalisation, d’outils de travail, et d’éléments inspirants. Cette atmosphère particulière offre une immersion totale dans l’univers de l’artiste, bien loin de l’environnement formel et parfois distant des galeries et des musées.